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  • Scrivere dopo un’ischemia: Gianni Montelatici vince il Premio Bigazzi

    La biografia di Gianni Montelatici si è spezzata in un pomeriggio del 2014, quando un’ischemia ha imposto un blackout improvviso, resettando il corpo e costringendo il pensiero a un silenzio bianco, quasi irreale. Ma in quella lunga convalescenza, la musica è tornata a reclamare il suo spazio, non più come passione e passatempo ma come unico linguaggio possibile per rimettere insieme i pezzi e tornare a decodificare il mondo.

    Nell’illusione che il dolore sia una pratica burocratica da evadere nel tempo di un EP, che basti un nuovo incontro o il banale scorrere dei mesi per derubricare un’assenza a semplice ricordo, l’artista fiorentino, con la ruvidità di chi ha masticato la vita lontano dai riflettori prima di prendersi il primo posto al Premio Bigazzi nella Sezione Cantautori, decide di fare il percorso inverso. “Se fosse vero”, il suo nuovo singolo, è il racconto di un cuore che non sente più nulla proprio perché ha smesso di credere alle ricette precostituite della guarigione.

    Un brano che non insegue il consenso immediato delle playlist o dell’airplay, ma cerca la verità nel fondo di un calice amaro, dove le fotografie di un quartiere e le gare di moto restano lì, a testimoniare che, a volte, non si guarisce affatto.

    Montelatici sa che ci sono canzoni che funzionano come placebo e altre che, semplicemente, scelgono di non mentire. Per questo, scrive con la consapevolezza empirica di chi sa che il dolore non si cancella, ma si integra, si abita e si metabolizza, lasciandolo decantare e trasformandolo in un compagno di viaggio con cui negoziare quotidianamente.

    Quel calice amaro diventa un bicchiere di verità versato sul mondo, un rifugio di cristallo che riflette una vita che continua altrove, lasciando il protagonista in un vuoto che nessuna canzone può davvero colmare. Il suo è un realismo sporco, umano, visceralmente distante dalle anse edulcorate del pop contemporaneo.

    Il tempo smette di essere un medico nel momento in cui la ferita non si rimargina, ma diventa parte integrante della propria geografia identitaria: le lancette che corrono non sono più un trauma da superare, ma un elemento ricostitutivo del sé, come una cicatrice che smette di far male ma ridefinisce i contorni di chi la porta. In “Se fosse vero”, i giorni che passano non portano sollievo, ma agiscono come un reagente chimico che rivela la persistenza del ricordo: il tempo non cura, si limita a testimoniare l’impossibilità di dimenticare, convertendo l’aspettativa di un ritorno nella dignità di restare esattamente lì, dove tutto è finito.

    Il brano interroga direttamente l’ascoltatore, mettendolo di fronte allo specchio di quelle illusioni che spesso accettiamo per sopravvivere.

    Le parole dell’artista sottolineano l’inefficacia delle soluzioni indolori:

    «Qual è la cura per cancellare il dolore? Basta credere nelle ricette che ormai quasi come un mantra si ripetono da tempo immemore? Il tempo che cancella? La ricerca di un nuovo amore? La voglia di scappare lontano? Chissà…Forse la vera medicina è proprio questo restare nel dubbio, senza la pretesa di trovare una cura, ma con la dignità di portarsi addosso la propria storia.»

    “Se fosse vero” è la constatazione che non esiste un solo colpevole e che il dolore non si elimina, si impara a portarlo con sé. È la voce di chi ha guardato il vuoto e ha scelto di riempirlo con una canzone che non promette guarigioni miracolose, ma offre la dignità di una ferita ancora aperta.

    Dopo anni di silenzi e strade interrotte, è stata la convalescenza forzata del 2014 a riaccendere la scintilla creativa in Montelatici, portandolo a strutturare un percorso di scrittura consapevole, che ha trovato la sua massima consacrazione sul palco del Premio Bigazzi.

    Il singolo sintetizza questa evoluzione unendo la sensibilità cantautoriale più pura a una struttura narrativa solida, capace di parlare a quanti abbiano cercato, invano, di dimenticare attraverso il filtro del tempo.

    L’artista descrive così la genesi concettuale del brano:

    «”Se fosse vero” cerca di raccontare come non sia possibile cancellare il ricordo di un grande amore. Non basta il tempo, non servono le parole, i testi che affrontano il problema. Il dolore si impara ad addomesticarlo, ma non si cancellerà mai. Così come non ci sarà mai un solo colpevole.»

    Il valore del pezzo non risiede solo nella penna onesta e disincantata di Montelatici, ma anche in una veste sonora curata da Marco Falagiani. La produzione artistica di Falagiani — già braccio destro di Giancarlo Bigazzi e firma dietro successi che hanno segnato la storia del Festival di Sanremo e del cinema internazionale — conferisce al brano una caratura che esula dalle logiche del pop istantaneo, spesso usa-e-getta. La collaborazione tra il cantautore e il Maestro ha dato vita a una traccia in cui ogni sfumatura del calice amaro di cui parla l’artista trova una collocazione precisa, cristallizzando un’esperienza individuale in una narrazione in cui è facile riconoscersi.

    Attualmente impegnato anche nel progetto GiBombay, dove la sua anima autorale incontra venature hard rock, Gianni Montelatici si riaffaccia sulla scena nazionale con un progetto che rivendica il diritto di sentire, di ricordare e, soprattutto, di non guarire secondo le tempistiche dettate dalla società del benessere istantaneo, forzato e performativo.

  • “Come terra e luna” è il nuovo singolo di Maiisha

    Da venerdì 6 febbraio 2026 è disponibile in rotazione radiofonica e su tutte le piattaforme di streaming digitale “COME TERRA E LUNA” (Mirò BR Productions), il nuovo singolo di MAIISHA.

    “Come terra e luna” è un brano intenso e suggestivo che racconta la dualità tra forza e fragilità, corpo e anima, istinto e consapevolezza. Al centro, una storia d’amore intensa e magnetica: quella tra la Terra e la Luna, due corpi celesti destinati a cercarsi, rincorrersi e orbitare l’uno attorno all’altro. Con una scrittura emotiva e una produzione moderna, la canzone si inserisce nel panorama pop contemporaneo mantenendo una forte identità artistica.

    “Mi trovo nel tuo universo, condividiamo un frammento d’eterno”, commenta l’artista.

    Nel videoclip di “Come terra e luna”, l’artista reale Maiisha viene clonata digitalmente e trasfigurata in una protagonista interamente ricreata dall’intelligenza artificiale. Un esperimento visivo che fonde cinema, musica e identità in una nuova forma di racconto sensoriale. L’universo e i pianeti del suo immaginario prendono vita attraverso più corpi e volti, dando forma a una narrazione inclusiva che celebra le molteplici identità e rappresenta l’idea di un amore universale.

    Guarda il videoclip ufficiale di “Come terra e luna”

    https://www.youtube.com/watch?v=asZakuObS5w

     

    ℗ © Mirò BR Productions di Rosa Bulfaro

    Producer: Fabio Lombardi

    Mastering: UP Music 

    Compositori | Autori: C. Liccese, Aptenia, L. Quartucci, M.Bruno, D.Bellitto

    Cover_art: Andrea Ceriani

    Art Directors: Maiisha & Gabriele Aprile AI Art: Gabriele Aprile

     

     

    MAIISHA | BIOGRAFIA

    Maiisha ha 24 anni, una voce che si fa sentire e un po’ di vita addosso. Ha cantato per Walt Disney come voce della sigla di School Hacks (produzione di Enrico “Kikko” Palmosi, 2018).

    Ha doppiato personaggi in serie trasmesse su Prime Video e Rai 2: nella serie Noi siamo leggenda ha sostituito la voce cantata di Greta (Sofya Gershevich) nel 2023. La sua voce è presente nel featuring del brano Indietro nel tempo, cantato insieme a JayDar, e in alcuni inserti del brano con Nashley, prodotto da Matteo Buzzanca.

    Ha calcato il palco di Sanremo — quello alternativo ma vero — all’Attico Monina nel 2020 e al Privé Monina nel 2023.

    È stata premiata tra i giovani emergenti italiani nella sezione canto agli UCI Cinemas Awards 2017 e ha ricevuto il Premio della Critica al concorso nazionale Je So Pazz 2016, dedicato a Pino Daniele.

    Si è messa mille maschere per piacere a tutti, ora canta per riconoscersi. MAIISHA è il suo nome d’arte, ma ogni canzone è una parte di lei, vera. Anche quella che ancora non conosce.

    “Come terra e luna” è il nuovo singolo di Maiisha disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica da venerdì 6 febbraio 2026.

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  • *Razza dominante – Crimini e psiche* _Il nuovo podcast de Il Tempo: un viaggio nella mente criminale_

    _Roma_ – _*Il Tempo*_ presenta *«Razza Dominante – Crimini e psiche»*, il nuovo podcast originale scritto e prodotto da *Davide Di Santo*, che porta gli ascoltatori dentro la mente di chi ha oltrepassato il limite della violenza nei confronti di un altro essere umano. Un viaggio nel lato oscuro della psiche raccontato attraverso casi di cronaca celebri e vicende meno note, con le testimonianze dirette degli psichiatri forensi che hanno incrociato lo sguardo dei protagonisti dei più efferati delitti.
    L’obiettivo è comprendere — oltre il clamore del fatto di cronaca — le circostanze psicologiche, sociali e fisiche in cui è maturato un comportamento estremo e letale: quando, come e perché un essere umano decide di colpire un altro essere umano. 
    *Le storie* – Le puntate di «Razza Dominante. Crimini e psiche», attraversano con un tono immersivo e coinvolgente alcuni dei casi più inquietanti della cronaca italiana: da quelli legati a *Gianfranco Stevanin* e *Donato Bilancia*, spietati serial killer, a *Luca Delfino* noto come “l’omicida delle fidanzate”; dalla strage del tallio in cui si intrecciano la cronaca e il fenomeno degli hikikomori, alla *mattanza del Canaro* fino alle vicende meno note della *Banda della Magliana*. Non mancano episodi dimenticati, come il caso Raso, “fattaccio” della Roma borghese, capace di generare effetti giudiziari senza precedenti.  
    *Gli esperti* – Nel podcast intervengono alcuni dei massimi esperti italiani tra cui *Stefano Ferracuti* – professore ordinario di Psicopatologia forense all’Università La Sapienza di Roma – *Ugo Fornari* e *Francesco Carrieri*, autori di centinaia di perizie nei più noti casi di cronaca in cui sono stati chiamati a esprimersi: mostro o folle? Attraverso il loro sguardo, il racconto esplora temi cruciali come la determinazione della capacità di intendere o volere, la pericolosità sociale, la prevenzione dei crimini violenti, il confine duttile e a volte incerto tra follia e lucidità. 
    *I temi* – Il titolo «Razza Dominante», che riecheggia un famoso racconto di fantascienza di *Fredric Brown*, non si riferisce a differenze di etnia o colore, ma a una caratteristica distintiva dell’essere umano. L’uomo, da sempre, è la specie che più infligge dolore ai suoi simili e arriva a “governare” questa violenza, a istituzionalizzarla e talvolta a giustificarla attraverso la cultura, il diritto, il potere. Una riflessione profonda sulla natura dell’umanità, che nel corso dei millenni ha costruito la propria supremazia anche attraverso la sopraffazione. Come afferma l’autore, per quanto possa essere disturbante, «la razza dominante siamo noi». Il podcast invita ad affrontare questa verità scomoda, esplorando la zona proibita dell’intelligenza umana — quella più brutale, violenta, dominatrice — con un unico obiettivo: capire.
    _Scheda tecnica_ 
    _Razza Dominante – Crimini e psiche di Davide Di Santo per Il Tempo. Prima puntata giovedì 5 febbraio, seconda puntata giovedì 12 febbraio. In seguito ogni 14 giorni._ _Piattaforme: Spotify, Amazon Music, YouTube, le principali app di podcasting e il sito web www.iltempo.it._ _Soggetto, testi, voce, musiche originali e sound design: Davide Di Santo

  • “Resti in città” di MODNA fotografa una stasi sempre più diffusa

    Ogni giorno, intorno alle tre del mattino, le città tornano alla propria ossatura. È un orario che non promette più nulla: i bar restano aperti per inerzia, il traffico si assottiglia, e quel fascino notturno che di solito avvolge le strade lascia spazio a una verità meno romantica, ma rivelatrice. In quel “silenzio finto”, dove il traffico è solo un’eco e le luci dei lampioni feriscono gli occhi, si consuma il paradosso di “Resti in città”, il nuovo singolo di MODNA scritto a quattro mani con Daniele Pirozzi tra le aule del Conservatorio Nicola Sala.

    Il brano arriva in un momento in cui l’idea di “cambiare vita” è diventata una formula ricorrente, ma sempre più spesso resta confinata alle parole. Si parla di fuga, di ripartenza, di altrove, di viaggio come catarsi e di nomadismo digitale come massima aspirazione, mentre le giornate continuano a svolgersi nello stesso perimetro.

    Con “Resti in città”, MODNA lavora in maniera controintuitiva, perché non racconta chi parte, ma chi decide di rimanere, o meglio, chi ha imparato perfettamente il linguaggio dell’andarsene assimilandone ogni concetto, senza mai trasformarlo in azione. Il sogno della fuga continua a esistere, ma si consuma nella ripetizione, fino a diventare un’abitudine, una promessa che non trova mai il compimento effettivo.

    Il cantautore lucano d’adozione campana scatta così una polaroid tersa e precisa su una generazione che “vorrebbe ripartire da zero”, ma trova nel proprio spazio, nel proprio recinto urbano, una rassicurante, seppur incompleta, forma di protezione.

    Il brano segue una donna dentro una routine che funziona, ma non la appaga totalmente. Lavora, esce, attraversa locali affollati, balla da sola in casa. Usa la città per restare in movimento senza mai spostarsi davvero. Accanto a lei c’è una presenza costante, mai invadente. Si riconoscono, si osservano, restano fermi un istante prima di una qualsiasi incarnazione di un noi. È un incontro che non produce svolte, perché le svolte non sono previste.

    Nel testo, la frase «non siamo mica come Milano» delimita questo perimetro senza bisogno di spiegazioni. Non oppone provincia e metropoli, ma due tempi diversi: da una parte il mito della velocità come valore, dall’altra una sequenza di giorni simili che impedisce accelerazioni e deviazioni. L’asse si sposta dal dinamismo produttivo della prima alla verità nuda della seconda, dove si beve birra per calmare i pensieri e si balla soli in salotto, simili a una “Jennifer senza il ballo perfetto”. È un’osservazione priva di giudizio, che porta con sé solo il rigore di chi osserva un incontro fatto di sguardi che si incrociano in un bar affollato senza mai oltrepassare il confine.

    Anche sul piano musicale il brano evita soluzioni risolutive. La produzione di Pirozzi – impreziosita dai Rhodes di Gianluca Sposito e da una sezione ritmica asciutta – regala un’atmosfera distesa che trova il suo compimento nel videoclip ufficiale, girato a Napoli da Alfonso Venafro e presentato in anteprima nazionale su Sky TG24.

    Qui, la città non è sfondo ma co-protagonista, una pelle che la protagonista, interpretata da Carmen De Vita, indossa per sentirsi viva, anche a costo di restare irrisolta.

    «Esiste una dignità complessa nelle scelte che non si compiono – spiega MODNA -. “Resti in città” è un’evasione mancata che diventa identità. Io e Daniele Pirozzi abbiamo cercato di catturare quel punto di rottura in cui il desiderio di novità soccombe alla necessità di sentirsi al sicuro, anche se incompleti. Restare, talvolta, richiede molto più coraggio che andarsene.»

    “Resti in città” parla di chi immagina un altrove, ma continua a vivere dove si sente al sicuro, anche a costo di restare incompleto. Una condizione sempre più diffusa e sempre meno raccontata senza giudizio.

    MODNA, forte di un percorso che lo ha visto passare dai palchi Rai alla finale del Premio Arte d’Amore, conferma qui una maturità intellettuale già intravista nel suo esordio letterario “Il rumore dentro”. La sua non è una proposta di intrattenimento, ma una proposta di senso. Ciononostante, il brano evita il rischio del compiacimento malinconico, grazie ad una struttura argomentativa solida, un lessico ricercato ma mai artificioso, e un ritmo di prosa musicale che segue quello della vita reale: sincopato, incerto, profondamente umano. È una canzone che non parla per noi, ma di noi. Di quel caffè preso in silenzio e di quella voglia di sparire che, puntualmente, si ferma davanti al primo semaforo rosso della propria via di casa.

  • Quando “ti amo” diventa una frase qualunque: Niko e la svalutazione semantica dell’amore nel linguaggio digitale

    «Ti amo è un insulto se non viene dal cuore». Perché quando si usano le parole più importanti senza nobilitarle, si consumano. E quando si consumano, smettono di dire qualcosa e fanno danni.

    Nel 2026 le dichiarazioni sentimentali non mancano di certo. Anzi, circolano ovunque. E forse, proprio per questo, sembrano valere meno. “Mappa Perfetta”, il nuovo progetto di Niko, nasce dal disallineamento tra l’amore che continua a essere raccontato e quello che, sempre più spesso, viene ridotto a una sequenza di frasi già sentite, imitate, ripetute. Un ritratto del modo in cui oggi si promette, si dichiara, si recita. Le parole funzionano come formule: suonano corrette, perfette. Le esperienze, molto meno.

    Dopo “Anime Perse”, che aveva dato voce al logorante silenzio del ghosting e all’assenza improvvisa e spiazzante nei legami affettivi, l’artista reatino d’adozione capitolina sposta lo sguardo su quello che accade quando il silenzio finisce: il rumore assordante delle parole. Parole educate, automatiche, inflazionate. Parole di rito, volte a descrivere ciò che per antonomasia non può essere decritto, ma solo vissuto. E che si ritrovano a riempire le pagine di sentimenti recitati per copione. Parole che non proteggono più nessuno.

    E Roma, sotto la pioggia, a definire il tono del racconto, incorniciando la stanchezza di chi torna sempre allo stesso punto, tra baci dati per abitudine, promesse non mantenute e direzioni incerte. Una città attraversata da luci riflesse sull’asfalto, da ombre che si allungano tra i vicoli, da silenzi che si impongono come le architetture antiche che ne dominano gli scorci. È lì che Niko ambienta la sua nuova canzone: in uno spazio che resta immutato pur offrendo sempre qualcosa di nuovo, mentre nel linguaggio relazionale tutto sembra continuare a ripetersi.

    Il brano, scritto e prodotto da Fede Mcallister, prende forma in un mondo saturo di promesse, ma sceglie di prenderne le distanze. Un mondo in cui il “ti amo” rischia di ridursi a un automatismo, a un riflesso meccanico di un tempo trascorso insieme senza essere davvero vissuto, svuotato dalla ripetizione, imitato come una battuta di un film già visto.

    Niko evita banalizzazioni e idealizzazioni, muovendosi dentro il tempo che racconta e affidandosi a una scrittura fatta di immagini concrete e malinconiche: «Fanno tutti per finta, fanno tutti l’amore», canta, mettendo in discussione la distanza sempre più evidente tra ciò che viene dichiarato, espresso a voce, e ciò che si prova davvero.

    “Mappa Perfetta” non è la ricerca di una relazione ideale, ma il tentativo di ritrovare una bussola in mezzo a un linguaggio che ha perso il senso stesso di ciò che comunica. La “mappa”, infatti, non indica un luogo, ma un modo di sentire: più consapevole, meno automatico.

    Il suono accompagna questo percorso. La voce di Niko attraversa registri diversi con assoluta naturalezza, lasciando spazio ai silenzi. E proprio in quelle pause il brano trova il suo equilibrio: negli interstizi, nelle frasi che non cercano di spiegare tutto, ma lasciano respirare il senso.

    Roma ritorna, ancora, come simbolo. Come luogo di passaggio, di attese, di giornate che sembrano tutte uguali finché un dettaglio – una luce, un sorriso, una pioggia improvvisa – non cambia la prospettiva. «Stretta sopra Roma se piove», rende perfettamente l’idea della città interpretata e abitata come stato d’animo, come dimensione interiore, più che geografica. Un punto fermo dentro un movimento ininterrotto tra dubbi, domande ed esitazioni.

    “Mappa Perfetta” parla di promesse, ma soprattutto di responsabilità. Quella di dare alle parole il valore e l’importanza che meritano. Di non usarle come rifugi temporanei, ma come strumenti capaci di creare legami, emozioni e sentimenti che resistono al tempo.

    Nel linguaggio digitale, sempre più rapido e meno umano, Niko si muove in controtendenza, riportando l’attenzione su ciò che viene detto e, soprattutto, sul modo in cui viene detto.

    Perché le parole non sono neutre. Si portano dietro quello che promettono, quello che negano, quello che eludono. Possono avvicinare, ma anche allontanare. Possono aprire, ma anche chiudere. Possono guarire, ma anche ferire. E una volta pronunciate, si depositano e lasciano traccia.

    È da qui che nasce l’idea di una “mappa” che non sia destinazione, ma assetto. Che non serva per arrivare altrove, ma per capire come ci si muove, cosa si dice, e con che intenzionalità.

    Perché forse, oggi, la vera mappa non è quella che ci porta da qualche parte.
    È quella che ci aiuta a capire dove siamo davvero, prima di scegliere se muoverci o fermarci.

  • “Anche se” è il nuovo singolo di FACE

    Da venerdì 6 febbraio 2026 sarà in rotazione radiofonica “ANCHE SE” (Qanto Records), il nuovo singolo di FACE, già disponibile su tutte le piattaforme di streaming digitale.

    Il brano “Anche se” racconta la resistenza emotiva nei momenti in cui tutto pesa, attraverso un sound diretto e in costante crescita che intreccia vulnerabilità e forza, muovendosi dal conflitto verso una possibile apertura. La canzone attraversa le zone d’ombra dell’animo senza perdere la spinta a proseguire, mantenendo una tensione costante verso il movimento. Tra malinconia e determinazione, il pezzo restituisce un equilibrio fragile ma consapevole, in cui la fragilità diventa una presa di posizione. Una canzone che parla a chi sceglie di restare presente anche quando il peso si fa sentire, riconoscendo nella musica uno spazio di confronto sincero.

    Spiega l’artista a proposito del brano: «”Anche se” nasce da quei momenti in cui tutto sembra pesare troppo. Quando ti ritrovi a farti domande su chi sei, se stai facendo le scelte giuste, se vale la pena essere te stesso fino in fondo. È una canzone che parla di fragilità, ma anche di quella forza silenziosa che ti fa andare avanti. Volevo raccontare quel conflitto interno che tutti abbiamo: da una parte il peso, dall’altra la voglia di non arrendersi. L’ho scritta per chi si guarda dentro senza paura, per chi sente profondamente e continua a resistere. È un brano onesto, che cresce a ogni ascolto, e spero possa arrivare a chi vive le emozioni come le vivo io».

     

    Il videoclip di “Anche se” è ambientato tra le montagne innevate di Aosta e utilizza il bianco e nero per ridurre l’immagine all’essenziale, eliminando ogni elemento superfluo. Il racconto visivo segue una relazione che si interrompe bruscamente: la caduta, il vuoto e il ripensamento diventano passaggi necessari di un percorso interiore. In quello spazio di sospensione emerge la consapevolezza che l’autenticità personale può avere un valore superiore alla paura della perdita. Le stesse montagne, inizialmente percepite come oppressive, diventano il luogo di una rinascita. Un passaggio dal buio alla consapevolezza che riflette il movimento emotivo al centro del brano.

    Guarda il videoclip su YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=wxm_gvM664Y

     

    Biografia

    FACE è il progetto solista di Filippo De Fazio, cantautore bolognese e membro dei The Hangovers. La sua musica esplora amore, fragilità e resilienza attraverso testi intensi, capaci di emozionare e trasmettere forza. Un viaggio tra introspezione e determinazione.

    “Anche se” è il nuovo singolo di FACE già disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica da venerdì 6 febbraio 2026.

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  • Pagine di Copland, Berio, Schoenberg e Puccini con i jazzisti Tracanna, Zambrini, Mangialajo e D’Auria sabato 21 febbraio alla Camera del Lavoro di Milano


    In prima esecuzione assoluta, l’Atelier Musicale ospita la performance di quattro protagonisti del jazz italiano che si confrontano con la musica di matrice eurocolta del Novecento 

    MILANO – La trasversalità del nuovo appuntamento dell’Atelier Musicale, ovvero il concerto del quartetto composto da Tino Tracanna (sassofoni), Antonio Zambrini (pianoforte), Tito Mangialajo Rantzer (contrabbasso) e Francesco D’Auria (batteria) in programma sabato 21 febbraio alla Camera del Lavoro di Milano, riflette in pieno la filosofia della rassegna organizzata dall’associazione culturale Secondo Maggio: quattro noti jazzisti dalle vaste competenze guardano, dal loro punto di osservazione, ad altrettante personalità della storia musicale del secolo scorso (Copland, Berio, Schoenberg e Puccini), affrontandone la musica attraverso melodie o spunti tematici provenienti da alcune loro opere in un processo in cui intervengono l’improvvisazione e il classico interplay jazzistico.
    È, sostanzialmente, un incontro con il mondo musicale di matrice eurocolta che si propone di trovare spunti originali per la realizzazione della performance di tipo jazzistico. Del resto, il jazz ha sempre guardato al mondo europeo colto, molto di più di quanto, sporadicamente, abbiano fatto gli autori del Vecchio Continente nei suoi confronti e nell’ultimo trentennio questo processo è enormemente cresciuto, soprattutto in ambito europeo, ma anche in quello statunitense.
    Di Puccini, antesignano di linee armoniche influenti nel primo Novecento, Schoenberg, maestro dell’atonalità e della dodecafonia, Copland, che per nascita si trovava in contatto anche con il mondo musicale afroamericano, e di un maestro del secondo Novecento come Berio (curiosissimo del mondo musicale che lo circondava) vengono affrontate con leggerezza e piacevolezza d’ascolto pagine importanti e funzionali al progetto.
    Dei quattro protagonisti del concerto, Antonio Zambrini, pianista raffinato che non solo ha collaborato con grandi personalità della scena nazionale e internazionale del jazz ma che si è distinto anche come leader e compositore (alcuni suoi brani sono nel repertorio di molti jazzisti di fama, tra cui Stefano Bollani), è l’autore di tutti gli arrangiamenti. C’è poi Tino Tracanna, solista di assoluto rilievo, artista progettuale e figura di riferimento del panorama jazzistico nazionale, anch’egli compositore e band leader, oltre che membro del quartetto storico di Franco D’Andrea e del quintetto di Paolo Fresu. Tito Mangialajo Rantzer è un contrabbassista molto richiesto in diversi ambiti stilistici del jazz, da quelli più tradizionali alla scena radicale. Infine, Francesco D’Auria, batterista e percussionista, è un musicista eclettico, con una lunga carriera internazionale al fianco di importanti esponenti della scena del jazz europeo.
    La prima milanese di questo quartetto rappresenta, dunque, una proposta di ascolto assolutamente originale e fuori dagli schemi abituali di ascolto.

    Atelier Musicale – XXXI edizione
    Sabato 21 febbraio 2026, ore 17.30
    Tracanna-Zambrini-Mangialajo-D’Auria
    Quattro tempi – La musica del Novecento
    Tino Tracanna (sassofoni), Antonio Zambrini (pianoforte), Tito Mangialajo Rantzer     (contrabbasso), Francesco D’Auria (batteria).
     
    Programma
    A. Copland: Fanfara per l’uomo comune;
    A. Schoenberg: Valzer da un frammento strumentale dal Pierrot Lunaire;
    L. Berio: Folk Song n. 8;
    A. Copland: Tema da  Appalachian  Spring;
    G. Puccini: Un bel dì vedremo;
    L. Berio: Sequenza per clarinetto;
    G. Puccini: Coro a bocca chiusa dalla Madama Butterfly;
    A. Schoenberg: Marcia su un frammento strumentale dal Pierrot Lunaire;
    G. Puccini: E lucean le stelle.

    Arrangiamenti di Antonio Zambrini.
    Prima esecuzione a Milano.
    Introduce  Maurizio Franco.

    Dove: Auditorium Di Vittorio della Camera del Lavoro, corso di Porta Vittoria 43, 20122 Milano.
    Inizio concerti: ore 17.30.
    Ingresso: 10 euro con tessera ordinaria (5 euro) o di sostegno (10 euro).
    Per informazioni: 3483591215; email: secondomaggio@alice.it; eury@iol.it
    Direzione e coordinamento artistico: Giuseppe Garbarino e Maurizio Franco.
    Organizzazione: associazione culturale Secondo Maggio.
    Presidente: Gianni Bombaci; vicepresidente: Enrico Intra.

  • Concerto-tributo in memoria di Lelio Luttazzi con la Big Band Jazz Company, Caterina Comeglio e i giovani finalisti del premio a lui dedicato domenica 22 febbraio al Blue Note di Milano


    Sul palco del jazz club milanese, i musicisti diretti da Gabriele Comeglio daranno una nuova veste ai brani più noti di Lelio Luttazzi, ma eseguiranno anche vere chicche tratte dal suo repertorio meno frequentato e alcuni inediti del grande artista triestino
    MILANO – Un concerto-tributo in memoria di Lelio Luttazzi, uno dei grandi maestri della musica leggera e del jazz nel nostro Paese, ma anche presentatore, showman, attore e scrittore: è quanto accadrà domenica 22 febbraio al Blue Note di Milano, protagonisti la Big Band Jazz Company diretta dal sassofonista e compositore Gabriele Comeglio, la vocalist Caterina Comeglio e i finalisti dell’ultima edizione del Premio Lelio Luttazzi (tra cui il vincitore Giuseppe Blanco). Organizzato dalla Fondazione Lelio Luttazzi con il sostegno di SIAE – Società Italiana degli Autori ed Editori, il concerto inizierà alle ore 20.30 (ingresso 25-30 euro; prevendita on line su www.bluenotemilano.com/evento/concerto-tributo-a-lelio-luttazzi-22-febbraio-2026-milano/).
    Spiega Gabriele Comeglio: «Il repertorio che eseguiremo al Blue Note includerà una manciata di chicche tratte dal repertorio meno frequentato di Lelio, che è stato un musicista e un direttore d’orchestra raffinato, comprese alcune musiche che la moglie Rossana Luttazzi ha recuperato dall’archivio Rai di Torino, rivisitate per l’occasione. Ci sarà anche qualche inedito come “La curiosità” (sulla partitura per pianoforte, coerente con il suo stile ironico, Lelio lo indicava come “fox-trottino” o “swingaccio”) ed anche “One more blues”, un brano che, pur avendo lo stesso titolo, è diverso dalla versione in trio del 1968 così come dalla versione in quartetto (con clarinetto) del recente album intitolato “30 anni di swing”».
    Da segnalare, inoltre, che ci sarà una collaborazione alle orchestrazioni da parte degli studenti dei corsi di arrangiamento del CPM di Milano. Gli spettatori assisteranno, quindi, a un concerto di vere e proprie prime esecuzioni: «Il merito è sempre di Rossana Luttazzi – continua Comeglio – che ha pazientemente cercato, sia nell’archivio di Lelio sia attraverso altre fonti, pagine musicali di grande valore ma sfuggite all’attenzione generale e anche un po’ oscurate dalla grande quantità di brani celebri che popolano il repertorio luttazziano». 
    Gli fa eco Rossana Luttazzi: «Si tratta di composizioni che meritano di essere conosciute dal pubblico e che ora trovano nuova vita grazie alla penna di Gabriele Comeglio, uno dei più apprezzati arrangiatori della scena italiana, che ha studiato approfonditamente i manoscritti di Lelio. E sapere che questa musica verrà eseguita da una big band come la Jazz Company non può che farmi enorme piacere».
    Com’è noto, Lelio Luttazzi ha contribuito a fare la storia del cinema, della radio e della televisione in Italia. È stato uno dei grandi maestri della musica leggera e del jazz nel nostro Paese, regalando alle big band partiture raffinate ed eleganti, spesso  ispirate alla tradizione americana, con un linguaggio sofisticato e irresistibile. Sua moglie Rossana è presidente della Fondazione Lelio Luttazzi, istituita nel 2010 con l’obiettivo di promuovere la cultura, l’educazione e la formazione musicale: «Grazie al Premio che porta il nome di mio marito ci proponiamo di scoprire e sostenere i nuovi talenti della musica italiana, in particolare i giovani autori pianisti jazz. I vincitori delle passate edizioni, da Manuel Magrini a Danilo Tarso, da Seby Burgio a Thomas Umbaca, da Vittorio Esposito a Giovanni Blanco, sono oggi tra i protagonisti della scena jazz nazionale».

    La Jazz Company diretta da Gabriele Comeglio è una delle più longeve formazioni italiane, con all’attivo oltre 500 concerti in Italia e all’estero e collaborazioni prestigiose con artisti di livello internazionale (Bob Mintzer, Dee Dee Bridgewater, Lee Konitz e moltissimi altri).
    Cantante e compositrice, Caterina Comeglio si è formata in ambito jazz prima al Trinity College di Londra e poi al Leeds College of Music. Fin da giovanissima ha condiviso il palco con artisti quali Bob Mintzer, Pee Wee Ellis, Franco Ambrosetti, Sarah Jane Morris, Massimo Lopez e Mika. Si è esibita in prestigiosi festival e rassegne (Bergamo Jazz Festival, Trieste Loves Jazz, Jazz Ascona, Notte di Note e Bucharest International Jazz Competition). Nel 2019 si è aggiudicata il Premio Lelio Luttazzi, nella categoria Cantautori, con il suo primo brano inedito intitolato Scheletri a ballare.

  • Elena Andreoli quartet e Paolo Tomelleri a tutto swing domenica 15 febbraio allo Spirit de Milan


    I musicisti eseguiranno alcuni brani dell’album “Beautiful Love”, firmato dalla cantante Elena Andreoli e dal clarinettista Paolo Tomelleri: un percorso nella Golden Era dello swing, con un’attenzione particolare alle composizioni di Duke Ellington e Irving Berlin. In scaletta anche alcuni standard rivisitati con arrangiamenti moderni e brillanti 

     
     

    MILANO – È in programma domenica 15 febbraio allo Spirit de Milan (inizio live ore 18.30, ingresso libero) il concerto del quartetto della vocalist Elena Andreoli (con Stefano Pennini al pianoforte, Raffaele Romano al contrabbasso e Alberto Traverso alla batteria) e del grande clarinettista Paolo Tomelleri, decano del jazz italiano.
    Nel locale di via Bovisasca 59, i musicisti proporranno alcuni brani tratti dall’album Beautiful Love di Elena Andreoli e Paolo Tomelleri, uscito lo scorso autunno e presentato al Teatro degli Arcimboldi durante il festival JAZZMI: un percorso nella Golden Era dello swing, con un’attenzione particolare ai brani intramontabili di Duke Ellington e Irving Berlin. Non mancheranno neppure alcuni standard rivisitati con arrangiamenti moderni e brillanti. Il risultato? Il repertorio classico è stato rivestito di nuove geometrie sonore, rendendo i pezzi originali più audaci e dinamici. Spiega Elena Andreoli, autrice jazz e cantante capace di mescolare in modo personale e convincente swing, blues, ragtime, bebop ed early jazz: «Beautiful Love non vuole essere solo un omaggio al passato, ma anche il manifesto di un jazz contemporaneo, fresco e potente. Abbiamo rielaborato il jazz e lo swing degli anni Venti e Trenta con energia e libertà, pur nel rispetto della tradizione. Nella scelta dei brani che compongono il mio album d’esordio e che propongo nei live ho privilegiato gli standard meno conosciuti e meno sfruttati, dando particolare importanza alle parole delle canzoni».

    È un periodo ricco di impegni e appuntamenti quello che sta vivendo la cantante milanese: dopo il concerto allo Spirit de Milan, infatti, Elena Andreoli sarà per due volte protagonista sui palchi itineranti del festival Dolomiti Ski Jazz, la manifestazione che da trent’anni porta la musica in alta quota, sulle Dolomiti trentine delle valli di Fiemme, Cembra e Fassa, direttamente sulle piste da sci. Elena si esibirà con il Trio Manouche in un omaggio al grande Django Reinhardt, insieme ai chitarristi Yann Maréchal e Davide Parisi, lunedì 9 marzo (ore 14) al Rifugio Fuciade, al Passo S. Pellegrino, in Val di Fassa, e martedì 10 (sempre alle ore 14) allo Chalet Caserina, in località Pampeago-Tesero, in Val di Fiemme.

    Il mese successivo, inoltre, Andreoli volerà in Giappone per la prima tournée internazionale di Beautiful Love. Tre le date in programma: il 7 aprile a Yokohama, l’8 a Tokyo e il 10 a Osaka.
    Non solo: con il trombonista e compositore Andrea Andreoli, jazzista di grande talento, la  vocalist milanese sta lavorando a un album di inediti che vedrà la luce nei prossimi mesi. Da segnalare, infine, che proprio con il trombonista bergamasco e con il batterista Alberto Traverso Elena ha firmato, come autrice, il brano Girl in the Mirror che interpreta nella commedia Stella gemella del regista Luca Lucini (con Margherita Buy e Laura Morante), presto sul grande schermo.

  • “Forever” è il nuovo singolo di Dario Distasi

    Dal 6 febbraio 2026 sarà disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica “FOREVER”, il nuovo singolo di Dario Distasi.

     

    “Forever” è un brano che parla di un momento così vivo nella memoria da voler diventare presente. Nonostante sia impossibile, la tentazione di abbandonarsi alla certezza di una gioia passata — appunto, un momento eterno nel quale si è stati davvero felici — bussa alla propria porta. Il presente è molto diverso e non cedere alla malinconia è difficile.

    Il sound sa di pop internazionale, con le chitarre acustiche di Dario che vanno a cercare l’elettronica, per poi aprirsi in un ritornello ampio e melodico. La voce femminile nel duetto è dolce e tipicamente americana (la vocalist viene infatti da Nashville, TN, città nella quale il brano è stato anche prodotto).

    Commenta l’artista sul nuovo singolo: “Avevo in testa questo modo di usare la chitarra acustica così fresco e moderno e, allo stesso tempo, un loop che mi faceva pensare tanto a della musica elettronica vintage. Ancora, sul significato del brano: “D’altronde, non ci chiediamo continuamente se riusciremo mai a essere felici come quella volta?”

     

    Per il video di “Forever”, per la prima volta Dario ha deciso di affidarsi a un lyric video basato sull’IA. Immagini, suggestioni e scene di vita dei personaggi di questa storia si intrecciano senza mai risolversi, proprio come il brano: “Forever” non ha un happy ending. È la canzone di un amore tormentato, sfiorato ma mai rimasto nel tempo, che proprio per questo ferisce.

    Il significato del brano si espande verso una nuova dimensione, andando da un lato a chiedersi in che chiave l’intelligenza artificiale leggerà la storia dietro al brano, dall’altro affrontando il titolo stesso del singolo: solo poco tempo fa realizzare un video in questo modo non sarebbe stato possibile — cosa significa ora “per sempre”?

    Guarda il videoclip: https://www.youtube.com/watch?v=7uf4apohVxM

    Biografia

    Dario Distasi (all’anagrafe Dario Di Stasi) è un artista italiano con un lungo trascorso internazionale, attivo come cantautore da dieci anni.

    Formatosi prima di tutto come chitarrista, aveva iniziato studiando con maestri come Nicola Cordisco (jazz), Gianni De Chellis (rock) e William Stravato (fusion), per poi proseguire con un diploma in chitarra al Modern Musician Institute di Alex Stornello con il massimo dei voti. Al Saint Louis di Roma (dove si era spostato anche per l’università) ha deciso che la sua chitarra non doveva più essere la sua unica voce.

    Da sempre, il suo lato più sviluppato è quello dell’ascolto, da cui nasce la sua passione per le lingue e la decisione di scrivere sempre in inglese. D’altronde, nelle band delle quali era stato componente, era sempre stato autore di musiche e testi. Ha quindi iniziato lo studio del canto con Alessandra Piroddi (Santa Cecilia), proseguendo poi nel Regno Unito con Jonny Black (The Royal Central School of Speech and Drama) e, una volta tornato in Italia, con Marco Priotti (The Voice).

    Ha suonato la sua musica per cinque anni nei locali di Manchester, arrivando alle finali di Open Mic UK. Lì ha deciso di “cedere” lo spazio nel cognome per rendere il suo nome d’arte più memorizzabile per il pubblico britannico. Ha registrato un EP a Nashville (TN) e pubblicato diversi singoli e videoclip.

    I suoi riferimenti sono vari: da chitarrista ascolta tutto ciò che attraversa rock, fusion, progressive, hard & heavy e ovviamente pop. Infatti, il suo vero amore resta la “forma canzone”. Le influenze della scena britpop inglese e di quella hard-rock, alternative e grunge americana si sommano a quelle di songwriter dalla scrittura essenziale ed evocativa. Al suo attivo ha più di 100.000 ascolti su Spotify, oltre alla presenza su tutte le altre piattaforme e YouTube.

    Tre brani essenziali nella discografia di Dario: “Again”, “Stuck In Here”, “Say”.

    Dario ha avuto la grande soddisfazione di scrivere le musiche per il docufilm Varchi Attivi, con la partecipazione di Michele Placido. Scrive e registra la sua musica curando in completa autoproduzione tutte le parti strumentali e gli arrangiamenti. Il rapporto con i produttori del suo progetto solista e di quello della Dario Distasi Band britannica è fondamentale per confrontarsi e poter esplorare opzioni diverse.

    Dal punto di vista grafico, del management e dell’approccio visivo, la gestione è sempre stata autonoma, mentre per la realizzazione dei videoclip la collaborazione più prolifica è stata quella con il regista britannico Mat Johns.

    Il progetto musicale individua un target principale “teen+” (15-40 anni e oltre). Le tematiche sono universali (amore, sentimenti, relazioni), ma il genere musicale è un pop senza tempo che interessa anche i più adulti. Si tratta di musica scritta per emozionare, che invita a farsi domande su se stessi e sulle proprie vite.

    Il percorso da indipendente lo ha portato a un’evoluzione della sua musica, prima più ruvida, ora più varia e aperta. L’obiettivo è essere percepito come un artista a tutto tondo, puntando alla programmazione in radio e TV nazionali per stabilire un rapporto diretto con la sua audience. Lo spazio primario resta quello del lavoro in studio: scrittura, registrazione e promozione sono i suoi focus principali. In particolare, Dario reputa la sua musica molto cinematografica e il suo obiettivo principale sarebbe l’inclusione dei suoi brani in colonne sonore di rilievo.

    “Forever” è il nuovo singolo di Dario Distasi, disponibile in streaming su tutte le piattaforme digitali e in rotazione radiofonica dal 6 febbraio 2026.

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