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  • “Lacrime dal cielo” è il nuovo singolo di Clara Moroni

    Dal 15 maggio 2026 sarà disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica “Lacrime dal cielo”, il nuovo singolo di Clara Moroni.

    “Lacrime dal cielo” è un brano urban pop rock che racconta la volontà di non sottostare alle regole precostituite, invitando anzi a combattere le storture di una società egoista e indifferente. Il mondo descritto è dopato da milioni di stimoli visivi e inondato da notizie in cui la verità non è mai posta al centro dell’attenzione.

    Il brano rappresenta anche una ferma condanna al contesto bellico attuale, che fomenta una narrativa spesso falsa per dirigere le menti verso una realtà distorta, distopica e manipolata. Una critica rivolta a chi continua a perseguire guerre personalistiche, cercando cinicamente l’avallo dell’opinione pubblica.

    Spiega l’artista a proposito del nuovo singolo: “Questo brano è un altro tassello dell’album che segue un filo logico e si interroga sulla condizione umana rispetto a tutto quello che era considerato il sentire Umano. L’amore, il rapporto con gli altri, la connessione con il nostro ambiente e la visione di quale futuro si prospetta per le nuove generazioni. Il brano è stato prodotto da Fabrizio Simoncioni, come tutto l’album e vede alla pre-produzione Fidel Fogaroli (Verdena), ed insieme siamo riusciti a creare quell’atmosfera tesa ed epica che enfatizza il senso di missione, di impellenza a risvegliare le coscienze sulla condizione umana contemporanea.”

    Il videoclip di “Lacrime dal cielo” è stato creato da Antonello Ruzzu della Neural Films, ma la storia e le ambientazioni nascono direttamente dalla visione di Clara Moroni. Il racconto si svolge in una città a volte vuota, a volte animata da esseri che hanno perso tutta la loro umanità.

    La protagonista, come una Giovanna d’Arco moderna, impugna una spada per difendersi e combattere, con l’obiettivo di rompere l’involucro di plastica creato per impedire il libero pensiero e l’apertura degli occhi sulla realtà. È un invito alla consapevolezza della condizione umana, resa disumana da un sistema che ha smarrito ogni empatia, utilizzando simboli forti per descrivere la visione del mondo dell’artista.

    Guarda il videoclip su YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=wXUqCRsBmSg

    BIO

    Clara Moroni, milanese, inizia da ragazzina a cantare, suonare la batteria e scrivere musica nell’ambito del punk underground con il suo gruppo: The Kubricks. A soli 15 anni si trasferisce a Londra per coronare il suo sogno punk e conoscere nuove realtà musicali; qui si avvicina all’elettronica, iniziando a suonare le tastiere e a programmare.

    Tornata in Italia, collabora come vocalist con grandi produttori e artisti come Mauro Pagani, Jovanotti, Franco Godi, Stadio e Alberto Fortis. Proprio durante le registrazioni dell’album di Fortis, “Carta del cielo”, conosce il produttore Guido Elmi, con cui dà vita al progetto “Clara & The Black Cars”, pubblicando per la EMI gli album “Chi ha paura di chi” e “Spiriti”.

    Il lavoro con Elmi sfocia nell’invito a curare gli arrangiamenti vocali di “Gli spari sopra” (1993). Inizia così la storica collaborazione in studio e live con Vasco Rossi, che durerà fino al Modena Park del 2017 e che porterà il Komandante a definirla: “La Ferrari del Rock”.

    Nel 1996 si trasferisce a San Francisco, collaborando con Luis Biancaniello (produttore di Whitney Houston e Anastacia). Rientrata in Italia, pubblica nel 2004 l’album in inglese “Ten Worlds”, seguito nel 2010 da “Bambina Brava” — contenente “1000 notti” feat. Don Joe, brano antesignano delle collaborazioni rock-rap in Italia — e nel 2012 dall’EP “Sono quello che sono – Part 1”.

    Nel 2018, sotto il management di Elia Faustini (Perfect Days), pubblica l’album “Unica” e apre i concerti del tour VascoNonStop2018. Dopo 22 anni al fianco di Vasco, Clara sceglie di dedicarsi interamente alla propria carriera solista. La sua formazione è solida: tastierista e programmatrice, ha studiato canto lirico con Floriana Cavalli, traendo ispirazione da muse come Siouxsie & The Banshees, Annie Lennox e Kate Bush.

    Oggi Clara Moroni continua a scrivere in modo istintivo, senza seguire dettami commerciali, lasciando che la sua musica evolva insieme alla sua visione del mondo.

    Parallelamente, con la sua etichetta discografica, la DMI, fondata nel 1995, si trova a scrivere, produrre e spesso a cantare, in esclusiva per la major giapponese Avex, brani Eurobeat, J-Pop e Anime Music. Il successo è passato dall’essere solo giapponese al diventare mondiale, grazie alla Soundtrack per la serie Anime di culto “Initial-D” e alla produzione di canzoni o remix per superstar come Namie Amuro, Ayumi Hamasaki o i Globe di Tetsuya Komuro. Oltre a tantissimi altri artisti oggi famosissimi nel mondo, come Olivia Lufkin dei Trapnest, per le musiche usate nella serie Anime “Nana”. Mai come oggi è diffuso il culto per il genere Idol che ha dato vita al K-Pop: in Italia, i numerosissimi giovani fans del genere sono rimasti strabiliati dall’apprendere che dietro alle colonne sonore della loro adolescenza c’è un team tutto italiano.

    L’impatto della produzione DMI ha travalicato anche i confini della musica pura per entrare nel mondo del Gaming e del grande cinema hollywoodiano. Brani dell’etichetta sono presenti in successi globali come Fortnite e Guitar Hero, oltre ad aver contribuito alla colonna sonora di Tokyo Drift, capitolo fondamentale della saga cinematografica Fast & Furious.

    “Lacrime dal cielo” è il nuovo singolo di Clara Moroni disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica dal 15 maggio 2026.

     

     

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  • “Parole sole” è il nuovo singolo di Demonaco

    Dal 15 maggio 2026 sarà disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica “Parole sole”, il nuovo singolo di Demonaco per PLUMA Dischi.

    A tutti è capitato, almeno una volta, di sentirsi incapaci di dare voce alle proprie emozioni all’interno di una relazione. “Parole Sole” nasce proprio da qui: un racconto intimo di ciò che resta non detto, sospeso tra il timore di risultare troppo dolci o la paura di ferire con riflessioni troppo amare. Sono parole che svaniscono nel tempo o che scegliamo di soffocare perché ci fanno sentire vulnerabili, quasi “stupidi” nella nostra fragilità. Come recita il brano, “Paure, sguardi e sbagli rimangono per sempre. Come le macchie di olio sulle felpe”.

    Il brano di Demonaco esplora con delicatezza quella sensazione di sovraccarico emotivo che spesso segue l’intimità. In quel momento di “pieno” assoluto, dopo aver fatto l’amore, fluttuiamo in un’incomprensione paradossale: le emozioni sono così intense che qualsiasi frase appare inadeguata. È un silenzio dettato dalla vergogna, dalla mancanza di fiducia o da una sottile timidezza che ci spinge a ritirarci nei nostri pensieri: “Noi nudi in questo letto, mi chiedi cosa penso, mi tengo tutto dentro”. Le “parole sole” sono dunque quelle che echeggiano soltanto nella nostra testa, restando prigioniere mentre guardiamo l’altro.

    L’impatto emotivo del testo trova un riscontro perfetto nella costruzione musicale. L’elemento distintivo è l’arpeggio iniziale del basso, un sostegno profondo e pulsante che accompagna le prime strofe. Gradualmente, l’ingresso dei synth apre lo scenario sonoro, guidandoci verso l’irrompere di un ritornello catartico che non lascia spazio a dubbi: “Parole sole si incastrano tra i denti, parole sorde rimangono tra noi”.

    Il brano evolve intrecciando con naturalezza influenze R&B e Jazz a sfumature Rap, mantenendo una tensione costante che si scioglie solo nell’ultimo ritornello, dove l’atmosfera si fa corale e avvolgente, dando finalmente respiro a quel groviglio di pensieri rimasti troppo a lungo in silenzio.

    Commenta l’artista a proposito del brano: «Il brano nasce da un errore in una sala prove a Bologna, una sala che si trova sotto terra in una strada del centro. Un giorno ero andato lì da solo per provare prima di un live in acustico, il tecnico mi ha aperto e se n’è andato. Nel momento in cui mi sono avvicinato al microfono ho sentito un eccessivo riverbero: c’era un’eco fortissima! A questo punto ho scritto di getto la frase “con un’eco infinito danzerò”. Ho continuato a buttar giù il testo e in pochi minuti avevo già composto la prima stesura. Mentre cantavo con quell’eco potentissima mi sono sentito in una stanza vuota, solo come le parole che rimangono ferme dentro di noi e ci tornano in mente quando non si sta più insieme».

    Biografia

    Cantautore partenopeo originario di Caserta e ormai da tempo stabile a Bologna, Ivo Pisanti, in arte Demonaco, è un bassista di vecchia data, amante della musica Motown e del cantautorato italiano, così come dell’hip hop e del jazz. Alla ricerca di qualcosa di inaspettato, rivolge la sua attenzione all’interazione tra questi diversi generi.

    Negli ultimi anni riscopre il fascino della chitarra e inizia a scrivere brani dal sound R&B, con forti influenze indie e soul, utilizzando la lingua italiana alternata al dialetto napoletano.

    I brani — arrangiati da Demonaco con Baco Giovanni Cristino (pianista) e prodotti insieme a Bruno Belissimo — vengono pubblicati dal 2023 per Pluma Dischi, nuova sub-label della storica Irma Records.

    Nel suo primo progetto di cantautorato, Demonaco porta con sé il profumo della terra e il racconto delle storie d’amore andate male.

    Il suo primo album ufficiale è in uscita per Pluma Dischi / Irma Records il 18 settembre 2026.

    “Parole sole” è il nuovo singolo di Demonaco disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica dal 15 maggio 2026.

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  • “La tentazione di esistere” è il nuovo singolo dei Varanasi

    Da venerdì 15 maggio 2026 sarà in rotazione radiofonica “La tentazione di esistere” (Overdub Recordings), il nuovo singolo di Varanasi già disponibile sulle piattaforme digitali di streaming dal 12 maggio.

    “La tentazione di esistere” racconta il conflitto al centro del nuovo album: l’impermanenza come mutamento incessante. L’io narrante oscilla tra la propria irrilevanza nell’universo e un’irriducibile volontà di esistere. La sofferenza nasce proprio da questa tensione, mentre l’accettazione passa attraverso un “amorevole distacco”.

    Una canzone post-punk dalle atmosfere fredde e sospese, costruito su un ritmo ipnotico e minimale, che si apre in un finale catartico: un viaggio interiore verso una sintesi esistenziale.

     

    Spiega la band a proposito del brano: “La tentazione di esistere è il cuore del nostro album; un viaggio che parte dagli abissi del cosmo, dalle atmosfere sospese e rarefatte, per approdare all’accettazione della nostra finitezza, per superare lo sgomento di fronte all’insondabile e la paura al cospetto degli astri”.

     

     

    VARANASI | BIOGRAFIA

    Varanasi nasce nel 2019, dopo la conclusione del percorso decennale dei Japan Suicide, con l’esigenza di costruire un progetto più coerente e in lingua italiana. Tra post-punk, shoegaze e psichedelia, la band attraversa sonorità cupe e malinconiche, mantenendo una tensione costante tra impatto e introspezione. Dall’EP omonimo fino all’album Cattedrali per principianti, il suono si muove tra trasformazione e continuità, dando forma a una nuova identità. Le influenze della band sono: Interpol, Fontaines D.C., Slowdive, Beach House. Il nuovo album in fase di finalizzazione verrà pubblicato da Overdub Recordings.

    La band è composta da: Matteo Luciani (basso), Stefano Bellerba (voce e chitarra), Leonardo Mori (tastiere), Saverio Paiella (chitarra), Matteo Bussotti (batteria).

     

    Dopo “Per sempre”, “La tentazione di esistere” è il nuovo singolo di Varanasi pubblicato da Overdub Recordings disponibile sulle piattaforme digitali di streaming dal 12 maggio e in rotazione radiofonica da venerdì 15 maggio 2026.

     

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  • Tramo torna con “Piombo” e rimette il proprio nome dentro la contesa del rap

    Dopo tre anni di fermo successivi alla pubblicazione di “Sto facendo la hit”, brano che aveva segnato una deviazione netta, estiva e volutamente spiazzante rispetto al suo percorso precedente, il rapper milanese Tramo torna con “Piombo”, una traccia che riporta il discorso su coordinate più dure, frontali e dichiaratamente conflittuali.

    Prodotto da Garelli, “Piombo” è un rientro in pieno stile, ma soprattutto è un pezzo che usa il linguaggio del dissing e della sfida per parlare di credibilità nel rap. Dentro il brano c’è la voglia di rivalsa maturata in questi anni, c’è la decisione di chiudere con ogni tono interlocutorio, e c’è una critica diretta alla scena rap italiana attuale, letta come un sistema spesso più attento alla superficie, alla replica continua di codici già consumati e all’esibizione che alla scrittura, all’incisività delle barre, al valore reale di ciò che viene detto.

    Non è un caso che “Piombo” arrivi dopo un’interruzione lunga. Quel vuoto, anziché essere aggirato, viene assunto fino in fondo e trasformato nel punto da cui ripartire. Tramo lo usa come innesco, un punto di rilancio per rimettere a fuoco il proprio posto nel rap-game con un messaggio chiarissimo: il tempo del gioco è finito. Adesso si fa sul serio.

    La canzone procede come un corpo a corpo, marcando un confine, respingendo l’omologazione e riaffermando una presenza che non intende confondersi con il resto. Il lessico è esplicito, il tono è agonistico, l’impianto lirico unisce punchline, attitudine battagliera e una precisa volontà di demarcazione. “Piombo” è un banger perentorio, compatto, e da tale non chiede né attende legittimazione, ma la conquista sul campo. E nel farlo riattiva uno dei nuclei originari del rap: il conflitto come strumento di riconoscimento, la parola come terreno in cui si misura la differenza tra chi occupa una scena e chi riesce a sostenerne davvero il livello.

    A rendere il pezzo incisivo non è soltanto la sfrontatezza del dettato, ma il fatto che questa spinta, questa insolenza, non suoni gratuita e trovi ragione nella traiettoria stessa del testo. In “Piombo” l’attacco alla scena non viene impiegato come semplice provocazione e non si riduce a una polemica: è la forma scelta per rivendicare una collocazione precisa dopo anni di stop, cambi di traiettoria e frizioni con il sistema. “Piombo” riporta Tramo dentro il rap-game con una collocazione chiara: meno compiacente, meno accomodante, più identitaria.

    Il percorso dell’artista, del resto, aveva già mostrato una vocazione a non restare dentro un solo recinto. L’esordio discografico “Fai il bravo”, al fianco di Pepito Rella, insisteva su barre graffianti, attitudine Old School e intuizione sperimentale; “Solo Quando Fumo” spostava l’asse su un impatto più immediato e su una scrittura capace di unire autoaffermazione e incastro tecnico. “Piombo” compie un passo ulteriore, togliendo gli elementi laterali, asciugando il quadro e portando tutto sul terreno del tecnicismo e del dissing.

    Anche per questo il singolo ha un valore che supera il discorso del come back, perché segna un ritorno da indipendente che non viene raccontato come semplice ripartenza, ma come riaffermazione del proprio profilo artistico e riapertura del discorso su basi molto più definite. E in una contemporaneità in cui spesso il rap italiano oscilla tra caricatura del personaggio, cifra derivativa e ricerca del pezzo immediatamente spendibile, “Piombo” sceglie la via della risposta, dell’affondo e lo fa senza dimenticare tecnica e radici.

    Il videoclip ufficiale che accompagna la traccia, girato da Brace BelTempo di WARP-VIDEO, guida visivamente questo nuovo capitolo, rafforzando la natura di un brano che sceglie il conflitto come forma di riaffermazione.

    «Con “Piombo” ho voluto rimettere le cose in chiaro – dichiara -. Arrivo da tre anni di fermo, da un periodo in cui ho osservato molto e parlato poco. Questo brano nasce dalla rivalsa, ma anche dalla necessità di tornare a dire la mia nel modo che mi appartiene davvero. Ho smesso di giocare: adesso si fa sul serio.»

    Con “Piombo”, Tramo non torna semplicemente a pubblicare: torna a misurarsi, a esporsi e a rimettere il proprio nome dentro una contesa che riguarda linguaggio, valore e credibilità.

  • L’universo letterario di Annamaria Farricelli approda in Sicilia

    Pluripremiata a livello nazionale ed internazionale, Annamaria Farricelli è riconosciuta per il suo contributo alla letteratura e alla poesia. La sua opera è caratterizzata da un profondo esame dell’anima e delle emozioni della Donna, spesso affrontando temi di rinascita e di speranza attraverso un linguaggio semplice, ma mai banale. Le sue “creature” sono accolte in sillogi, antologie, racconti, romanzi, e parlano di mondi ed universi femminili (tra i suoi ultimi due riconoscimenti ricevuti, a Gennaio scorso il Premio “Storie di Donne” ed il “Maria Callas Tribute Prize NY” in occasione dell’ultima Giornata internazionale della Donna). La nota Autrice arriverà a Vittoria (Ragusa)  il 5 Giugno 2026 presso la Sala delle Capriate Gianni Molè, alle ore 18.00.

    Annamaria Farricelli presenterà in una veste rinnovata per Amazon il racconto che le assomiglia di più, “L’Eco del Silenzio”, e accennerà alla sua ultima silloge “ABYSSUM”, edizioni Il Cuscino di Stelle. In carriera la Farricelli ha trasformato con la scrittura la fragilità psichica in potenza letteraria, restituendo voce a chi è nel silenzio e incarnando lo spirito di resilienza e audacia che ha reso Maria Callas un’icona immortale di New York.

    A sostenere fortemente l’incontro siciliano sono stati Giancarlo Francione e la giornalista Concita Occhipinti, coadiuvati da un insieme di prestigiosi Club ed Associazioni: Kiwanis Club Vittoria – Presidente D.ssa  Maria Scicli; Associazione Antea, Vittoria – Presidente Dr. Piero La Terra; Associazione Il Filo di Seta, Vittoria – Presidente Ins. Rosa Perupato; FIDAPA, Vittoria – Presidente D.ssa Giovanna Zagra; Convegno Maria Cristina di Savoia, Vittoria – Presidente Sig.ra Gianna Picci; Circolo Laudato Sì, Vittoria – Presidente sig. Umberto Virgadavola; Italia Nostra, Vittoria – Prof.ssa Maria Arangio; Città di Vittoria, Prof. Arturo Barbante – Ass.re ai Beni e Attività Culturali, e il blog cittadino Vittoria Daily.net .

    I saluti istituzionali saranno affidati al Prof. Arturo Barbante, e modererà l’incontro la giornalista Lisa Bernardini.

    Ingresso è gratuito.

    Per saperne di più

    “L’Eco del Silenzio”

    È il romanzo biografico che racconta la sua vita. Incontrare la scrittura di Annamaria Farricelli significa attraversare un confine sottile tra dolore e rinascita. L’eco del Silenzio  ci parla di una ferita profonda, vissuta fin dall’infanzia, che non è stata negata né nascosta, ma trasformata in parola, in voce, in possibilità. Ed è proprio in questa trasformazione il messaggio chiave: Annamaria porta con sé valori di dignità, ascolto, futuro  e  li consegna al mondo con forza, delicatezza e consapevolezza. Far conoscere al lettore la sua storia umana e letteraria significa aver creato uno spazio di attenzione condiviso, in cui la scrittura non è solo testimonianza, ma anche salvezza, dimostrando che, anche nei luoghi più bui dell’esperienza umana, può nascere una luce capace di orientare altre donne, altre vite. Annamaria Farricelli ha avuto il coraggio di rompere il silenzio, e di affermare la potenza della cultura come strumento di emancipazione. Dobbiamo tutti insieme, come lei,  lottare contro ogni forma di violenza di genere, con una determinazione che non deve arretrare.

    Ulteriori info su Annamaria Farricelli si possono trovare al sito ufficiale www.annamariafarricelli.com

  • “Solo amore” è il nuovo singolo dei CTRL+Z

    Da venerdì 15 maggio 2026 sarà disponibile in rotazione radiofonica e su tutte le piattaforme di streaming digitale “SOLO AMORE” il nuovo singolo dei CTRL+Z per Red&Blue Music Relations distribuito da ADA Music Italy.

    “Solo Amore” è un brano rock alternative italiano che racconta, in prima persona, il conflitto interiore di un protagonista segnato da disagio emotivo e difficoltà comunicative. Al centro, la lotta con il proprio malessere, tra isolamento, rabbia e senso di inadeguatezza. Dietro l’apparente normalità — il fingere che “vada bene così” — si nasconde una fragilità profonda, in cui l’amore si rivela più una maschera che una soluzione. La canzone restituisce un ritratto diretto e intenso di alienazione e introspezione.

    Spiega la band a proposito del brano: “Solo Amore è una canzone che nasce in un modo e poi cambia costantemente. Nella scrittura e composizione della canzone ci siamo lasciati trasportare dagli umori e dai drastici cambiamenti che hanno attraversato le nostre vite ed il mondo nell’ultimo anno. Un anno incredibile, di cui ci sarebbe da parlare per una discografia intera e noi vogliamo vederli tutti i riflessi di questo anno e della vita stessa… E non parlare, cantare e suonare solamente d’Amore. Per questo la prima stesura è stata fatta in un modo e poi è cambiata completamente fino al momento in cui si è entrati in studio. In studio ha mutato ancora forma e lo ha fatto di nuovo in post-produzione adattando musica e testi al momento sino a fermare un’istantanea nel caos”.

     

    Il lyric video di “Solo Amore”, prodotto internamente dalla band, accompagna il testo del brano attraverso grafiche ispirate all’estetica dei CTRL+Z e al loro logo, caratterizzate da colori psichedelici, acidi e ipnotici, che creano un’atmosfera visiva coerente e immersiva.

    Guarda il lyric video su YouTube: https://www.youtube.com/watch?v=ZezxPlKvRp4

     

    CTRL+Z | BIOGRAFIA

    I CTRL+Z sono un’alternativa rock band nata a Bari e attiva dal 2019, frutto della creatività di Claudio Salvucci (voce e testi), Massimiliano Santamato (basso) e Giulio Chirico (chitarra), completata nel 2021 da Fabio Zampetta (batteria) e Claudio Lacalamita (chitarra). In più di quattro anni, la band ha sviluppato un sound unico che fonde alternative rock, hard rock, grunge, hip hop, rap hardcore, indie e rock progressivo.

    Le loro influenze spaziano da Incubus, Tool, King Crimson, Yes, A Perfect Circle ed altri ancora, con contaminazioni che vanno dal new-metal all’hip-hop. Tutti i membri hanno formazione musicale e hanno sviluppato e proposto diversi arrangiamenti ricchi e sperimentali per ogni brano concepito.

    CTRL+Z lavora con un team di produttori, grafici e consulenti per portare la loro musica e la loro estetica al massimo livello. Il loro pubblico ideale è giovane-adulto (18-40 anni), curioso e aperto a generi diversi.

    Con le loro canzoni raccontano esperienze urbane, sfide personali e la ricchezza della diversità musicale. L’obiettivo? Affermarsi nel panorama musicale nazionale nei prossimi due-tre anni, raggiungendo un pubblico sempre più vasto e partecipando a festival e collaborazioni di rilievo.

    “Solo amore” è il nuovo singolo dei CTRL+Z disponibile sulle piattaforme digitali e in rotazione radiofonica da venerdì 15 maggio 2026.

     

     

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  • “Arcobaleni” è il nuovo singolo di Kanestri

    Dal 15 maggio 2026 sarà in rotazione radiofonica “Arcobaleni”, il nuovo singolo di Kanestri (Maionese Project) disponibile sulle piattaforme digitali di streaming dall’8 maggio.

    “Arcobaleni” è il nuovo singolo di Kanestri che prosegue il suo percorso artistico ed emotivo accompagnando l’ascoltatore ancora più in profondità verso il disco d’esordio, in uscita a giugno 2026. L’amore è sempre al centro del rock di Kanestri, tra consapevolezze acquisite, emozioni che restano vive e sogni di rinascita; in “Arcobaleni” si respira tutto questo, perché alla fine non si può disimparare a volersi bene.

    Commenta l’artista a proposito del brano: “Arcobaleni è una canzone d’amore. L’ho scritta pensando a quanto sia difficile disimparare a voler bene a qualcuno. E quando sei a passeggio tra le tue crepe non puoi che rimanere fottutamente autentico. Per me è la forma più sincera di terapia. Un modo per provare a capirmi meglio, accettarmi e trovare la forza di reagire nel caso la strada dovesse farsi più dura.”

    Biografia

    Kanestri è lo pseudonimo di Matteo Manzoni, cantautore marchigiano cresciuto tra il riverbero di chitarre distorte e il ritmo dei campi da basket. La sua musica è un universo dove l’amore viene esplorato nelle sue pieghe più autentiche, muovendosi con disinvoltura tra verità scomode e sogni di rinascita.

    Il legame di Matteo con la musica ha radici profonde: scrive e suona da oltre quindici anni. Ha iniziato durante l’adolescenza con le prime band punk della provincia, portando sui piccoli palchi quell’urgenza emotiva che oggi è diventata la cifra distintiva del suo percorso solista.

    Il suo sound si definisce come un “vicino di banco” del nuovo pop: un mix energico e sensibile che abbraccia con naturalezza influenze indie e venature punk rock melodico. Al centro di tutto resta sempre la canzone, intesa come uno spazio di verità assoluta.

    Dopo le prime uscite discografiche, che hanno catturato l’attenzione degli addetti ai lavori, il percorso di Kanestri si è consolidato attraverso brani come “Resto qui”, “Indispensabile” e il successo radiofonico “Nel buio”.

    Attualmente, l’artista prosegue il suo viaggio con il nuovo singolo “Arcobaleni”, un brano che segue la scia di “In rotta con lo sport” e segna l’ultima tappa fondamentale verso il suo primo disco d’esordio. L’album è previsto per giugno 2026, pubblicato dall’etichetta Matilde Dischi e prodotto da Davide Maggioni.

    «Scrivo canzoni per rimettere a posto i pezzi» Il suo claim sintetizza perfettamente la sua poetica: un vero messaggio di rinascita e un invito all’autenticità per chiunque cerchi, attraverso la musica, di ricomporre la propria strada.

    “Arcobaleni” è il nuovo singolo di Kanestri disponibile sulle piattaforme digitali di streaming dall’8 maggio 2026 e in rotazione radiofonica dal  15 maggio.

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  • Un disco da consegnare prima che da distribuire: i .francabandiera e il master in bici da Milano a Roma

    Un disco può uscire su tutte le piattaforme in pochi secondi. Può essere caricato, distribuito, programmato, annunciato, consumato con la stessa rapidità con cui scompare nel flusso quotidiano delle nuove pubblicazioni. I .francabandiera hanno scelto un’altra strada: sottrarre il loro debutto discografico all’automatismo della distribuzione digitale e farlo diventare un vero e proprio viaggio, con una partenza, una scadenza e un margine di rischio.

    Il loro primo album, “mezzo minuto di raccoglimento”, in uscita il 18 maggio, arriverà al pubblico soltanto se l’unica copia fisica del master, trasferita su vinile, riuscirà a raggiungere Roma entro la mezzanotte del 17. A portarla sarà Cosmo Ponticella, mix e master engineer del disco e membro ad honorem del gruppo, partito da Milano con un solo mezzo a disposizione: una bicicletta.

    Da questa corsa contro il tempo, affidata a un vinile e a una bicicletta, nasce uno dei lanci indipendenti più anomali e identitari della stagione: un album che non viene semplicemente annunciato, ma messo in cammino; quasi 600 chilometri da percorrere perché possa arrivare davvero a destinazione, in un tragitto su strada che affianca e amplifica quello discografico, fino a trasformarsi in una storia concreta, partecipata e documentata in tempo reale.

    Nelle settimane precedenti alla pubblicazione, i .francabandiera hanno raccontato sui propri canali social l’attesa del master definitivo senza diffondere anticipazioni dei brani. Il 10 maggio, Cosmo Ponticella ha annunciato il completamento del lavoro. Il giorno successivo, però, la narrazione ha cambiato direzione: i file risultavano smarriti. L’unica copia disponibile è rimasta quella impressa sul vinile. Da quel momento, l’album non è più soltanto un contenuto da pubblicare, ma un oggetto da consegnare.

    La corsa da Milano a Roma viene documentata attraverso dirette Instagram, aggiornamenti, contenuti video e tappe intermedie, durante le quali Cosmo incontra il pubblico e, in occasioni selezionate, offre ascolti in anteprima alle prime persone presenti. Il disco, prima di atterrare sulle piattaforme, sta quindi attraversando una forma di ascolto rara per il giorno d’oggi: non un’anteprima distribuita in massa, ma un incontro fisico, limitato, legato alla presenza di chi si trova nel posto giusto al momento giusto.

    “mezzo minuto di raccoglimento” sceglie di andare in controtendenza rispetto alle dinamiche frenetiche del mercato attuale, rallentando il lancio fino a trasformarlo in un evento. E questo non per nostalgia del supporto fisico, ma per riportare attenzione su quanto la musica, prima di diventare dato, stream, contenuto o campagna, abbia bisogno di una storia capace di orientare e cristallizzare l’ascolto.

    «Con questo album volevamo prenderci la libertà di non scegliere una sola direzione – dichiara la band -. Ogni brano è nato seguendo una necessità diversa, senza l’obbligo di rientrare in un genere preciso o in un’idea già definita di band. Ci interessa una musica che possa arrivare subito, ma che non finisca al primo ascolto; qualcosa che si possa cantare, ballare, smontare, riascoltare, capire meglio dopo. La storia del vinile portato da Milano a Roma nasce dallo stesso principio: rimettere tempo, rischio e partecipazione dentro un’uscita discografica. In un periodo come questo, in cui la musica viene pubblicata in modo rapidissimo, volevamo che questo disco avesse un percorso visibile, fisico, prima di arrivare alle persone.»

    Il titolo dell’album, “mezzo minuto di raccoglimento” è una piccola pausa ironica e insieme serissima, dentro una scena che parla moltissimo e ascolta pochissimo. Nei brani dei .francabandiera convivono scrittura intimista, sarcasmo, nevrosi quotidiana, slanci melodici, elettronica, derive progressive, frammenti teatrali e una forma canzone che non si lascia ridurre a un solo codice. Il risultato è un disco che alterna impatto immediato e stratificazione, leggerezza apparente e brusche deviazioni di tono, momenti di vulnerabilità scoperta e improvvisi sabotaggi del linguaggio pop.

    La prima traccia, “grazie”, apre l’album come una presa di posizione feroce e sarcastica sullo stato della musica italiana. Il brano parte da un attacco frontale — «qui in Italia si è spento da almeno 30 o 40 anni ogni tipo di sentimento» — e converte il ringraziamento in una forma di accusa, con un’ironia che colpisce tanto l’industria quanto chi la critica senza rischiare davvero nulla. È il brano più apertamente polemico del disco, una dichiarazione di insofferenza verso un sistema percepito come esausto, in cui l’arte sembra spesso piegata alla superficie, all’immagine e alla monetizzazione del personaggio.

    Subito dopo, “mal di mare” sposta il baricentro dal commento esterno al disorientamento interno. L’immagine della nave diventa la sintesi dell’instabilità: «Siamo tutti su una nave e mi sale il mal di mare». L’ansia, la difficoltà di guardarsi allo specchio, la paura di cadere e affogare trovano una possibile risposta nel movimento: «Se perdo l’equilibrio, no, non mi resta che ballare».

    Con “faccio schifo”, i .francabandiera lavorano su una forma di autoaccusa che si trasforma in complicità. Il titolo, volutamente brusco, viene disinnescato dal dialogo sentimentale: «Faccio schifo e te ne accorgerai» trova una risposta inattesa in «Fai schifo pure più di me». Il brano racconta due imperfezioni che si riconoscono, si prendono per mano e provano a immaginare uno spazio in cui smettere di difendersi.

    “il tuo nome” racconta la fine di una relazione attraverso il tentativo, quasi ossessivo, di riscriverne i tratti— «Non ricordo più il tuo nome» — e procede per riscritture, cancellazioni, rimorsi, contraddizioni, fino a renderla un flusso instabile di memorie e negazione. Il brano ha una struttura più ampia, quasi episodica, dove la canzone cambia pelle mentre il protagonista tenta di ricostruire ciò che non riesce più a riconoscere.

    In “ritratto”, la scrittura si fa più luminosa, senza perdere intensità. Il rancore viene nascosto «sotto la neve» e superato non da una spiegazione, ma da una melodia elementare, quasi infantile, che permette di dire ciò che le parole non riescono più a contenere. È una canzone sulla fine dell’odio, sulla possibilità di riconoscere una nuova versione di sé a partire dai dettagli quotidiani come il caffè, un amico, le fotografie, un ritornello che torna per ricordarci chi siamo.

    “timido” porta il disco in una zona più disturbata, volutamente eccessiva. Il brano mette in scena una voce che oscilla tra aggressività, senso di colpa, ironia e parodia della violenza verbale contemporanea. I riferimenti pop, da Old Boy a Lost, si inseriscono in un testo che lavora sull’esagerazione come forma di autoritratto deformato: il “timido” del titolo è in realtà una maschera che cade, lasciando emergere una tensione comica e inquieta.

    Con “festa phonk”, l’album entra in una dimensione più cupa e notturna. Il corpo diventa luogo di sovraffollamento, desiderio, confusione e attrazione: «Nel mio corpo c’è una festa phonk». La festa, però, non è soltanto esterna; è interna, caotica, sensuale, quasi claustrofobica. Il brano usa l’immaginario del club e della phonk per raccontare una forma di intimità accelerata, dove ballare significa anche perdere momentaneamente il controllo.

    A chiudere il disco è “nozze d’oro”, il brano più ampio e quasi cerimoniale della tracklist. Le immagini delle voci oltre il fiume, delle spose che attraversano il campo, del cuore che sanguina in mano, della corona d’oro e dei piedi nudi sulla terra fredda portano l’album verso una conclusione corale e visionaria. Dopo sarcasmo, ansia, memoria, desiderio e collisioni verbali, i .francabandiera ci ricordano che «a ballare resteremo noi».

    “mezzo minuto di raccoglimento” nasce dal desiderio di trovare un equilibrio tra il bisogno di libertà creativa e la volontà di arrivare comunque a chi ascolta; la necessità di non farsi imprigionare da un genere e quella di dare a ogni brano una traiettoria distintiva; l’energia del linguaggio contemporaneo e una formazione musicale che affonda le proprie radici nello studio, nell’ascolto e nella composizione.

    I .francabandiera sono Fabrizio Casale, Achille Mazzola e Francesco Luigi Onida. Fabrizio e Achille crescono a Formia, dove si avvicinano alla musica attraverso percorsi di studio diversi — chitarra classica per Fabrizio, pianoforte jazz per Achille — e si incontrano intorno ai vent’anni in una band progressive rock locale. Dopo lo scioglimento di quella prima esperienza, si trasferiscono a Roma e danno vita ai Mercanti di Orecchie, documentando su Twitch il proprio processo creativo e costruendo una piccola comunità attorno alla scrittura in diretta.

    Tra gli spettatori c’è Francesco, musicista e produttore milanese, già attivo nello studio di diversi strumenti e nella produzione elettronica. L’incontro diventa collaborazione, poi formazione definitiva. Dopo alcuni anni di attività online, il trio sceglie di spostare il centro del lavoro sulla produzione discografica e abbandona progressivamente la dimensione streaming. Il suono, inizialmente legato a coordinate progressive, si apre a una materia più ibrida, in cui l’elettronica dialoga con la forma canzone, la scrittura teatrale, l’ironia e una forte identità compositiva.

    Nel 2024 prende forma il primo album, completato all’inizio del 2025. Nello stesso periodo il gruppo lascia il nome Mercanti di Orecchie e diventa definitivamente .francabandiera, sigla più aderente alla nuova fase artistica. Dopo alcuni tentativi di collaborazione con realtà discografiche, la band sceglie la via indipendente e, insieme a Cosmo Ponticella, elabora un piano di uscita che porta alle estreme conseguenze una domanda:

    come si può rendere davvero visibile un album in un tempo in cui tutto viene pubblicato e dimenticato troppo in fretta?

    La risposta è un disco che deve essere consegnato, non soltanto distribuito. Un vinile che attraversa l’Italia. Una bicicletta. Una scadenza. Un pubblico chiamato a seguire la storia prima ancora di ascoltare le canzoni.

    Il 18 maggio, se il viaggio arriverà a destinazione, “mezzo minuto di raccoglimento” sarà disponibile su tutte le piattaforme digitali.

    Tracklist:

    1. grazie
    2. mal di mare
    3. faccio schifo
    4. il tuo nome
    5. ritratto
    6. timido
    7. festa phonk
    8. nozze d’oro

  • “Sabbie immobili” è il nuovo singolo di Samuele CYMA

    Dal 15 maggio 2026 sarà disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica “Sabbie immobili”, il nuovo singolo di Samuele CYMA per PLUMA Dischi.

     

    “SABBIE IMMOBILI” è un brano che si fonda sull’immagine ossimorica di una materia che, pur dovendo scorrere per natura, resta qui paralizzata. Nato da un impulso immediato, il pezzo sprigiona una tensione più diretta e fisica rispetto a “Dissolvimi”, costruendosi su un contrasto netto tra strofe serrate e ossessive — dominate da pattern ritmici insistenti e una vocalità frammentata — e un ritornello che si dilata in atmosfere sognanti di matrice shoegaze. La produzione riflette questa dualità alternando elementi abrasivi, come glitch e percussioni taglienti, a superfici liquide e avvolgenti, alimentando una dinamica continua tra compressione ed espansione. In questo spazio instabile l’energia non trova mai sfogo, restando trattenuta sotto forma di tensione costante, proprio come il corpo descritto nel testo: una presenza che non reagisce, non cade e non affoga, ma che al contempo consuma e dissolve. La relazione diventa così uno spazio arido e privo di linfa in cui si sceglie comunque di restare; persino il ritornello, nel suo recitare “dormi e soffrirò con te”, non offre una via d’uscita, ma rappresenta l’accettazione consapevole di quella stessa immobilità.

    Commenta l’artista a proposito del brano: “‘Sabbie Immobili’ è nato in modo molto istintivo, in una notte.. Volevo lavorare su una forma di ripetizione ossessiva, soprattutto nelle strofe: una voce che insiste, che gira intorno alle stesse immagini fino a consumarle. Il ritornello invece è un’apertura, ma non è una liberazione vera. È più una sospensione, come se il tempo si dilatasse senza risolversi, paralizzato. L’immagine della sabbia immobile viene da lì: qualcosa che dovrebbe scorrere, ma resta fermo, trattenendo tutto.”

     

     

     

    Biografia

    Samuele Cima, in arte Samuele CYMA, è un producer, songwriter e sound artist romano, diplomato in chitarra jazz al Conservatorio Saint Louis di Roma. L’ampio spettro delle sue influenze musicali — dal jazz contemporaneo alla musica corale, dal post-rock all’elettroacustica di metà Novecento — viene condensato attraverso una dettagliata cura per il sound design e una particolare predilezione per la sperimentazione sonora. Il risultato è una musica introspettiva, delicata e sospesa, al confine tra l’elettronica astratta e il songwriting più trasversale: una poetica in cui è centrale l’estrema fluidità di generi, stili e suoni.

    A marzo 2026 pubblica il brano “Dissolvimi”.

    “Sabbie immobili” è il nuovo singolo di Samuele CYMA disponibile sulle piattaforme digitali di streaming e in rotazione radiofonica dal 15 maggio 2026.

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  • Ilenia Suffredini: il nuovo singolo “Tu mi mandi in hype”

    Da venerdì 15 maggio sarà in rotazione radiofonica “Tu mi mandi in hype”, il nuovo singolo di Ilenia Suffredini disponibile sulle piattaforme digitali di streaming dal 1° maggio.

     

    “Tu mi mandi in hype” è un brano che racconta un amore intenso e travolgente, sospeso tra nostalgia, desiderio e bisogno dell’altro. La protagonista si muove in una città soffocante, segnata da rabbia e confusione, mentre dentro di sé resta viva una voce che la richiama continuamente alla persona amata. Il ritornello segna il punto di svolta: un’esplosione emotiva in cui l’amore diventa rifugio e liberazione, capace di annullare paure e incertezze. Il titolo sintetizza proprio questa euforia, quel senso di riconoscimento reciproco che accende il legame.

    Dal punto di vista sonoro, il brano si colloca in un pop contemporaneo dalle influenze urban ed elettroniche, alternando atmosfere sognanti a aperture più energiche e coinvolgenti.

    Spiega l’artista a proposito del brano: “Questo brano nasce da un momento molto emotivo e rappresenta bene la direzione del mio progetto artistico. Nella mia musica cerco sempre di raccontare sentimenti intensi e contrastanti: fragilità, desiderio, mancanza e quella sensazione di essere travolti dalle proprie emozioni.

    “Tu mi mandi in Hype” si muove proprio in questo spazio. Da una parte c’è l’immagine di una città che schiaccia, della pioggia, del caos e della solitudine; dall’altra c’è la presenza di una persona capace di trasformare tutto, di portare luce, energia e quasi una sensazione di fuga dalla realtà. Nel mio progetto mi interessa unire un immaginario molto emotivo e quasi onirico con immagini quotidiane e contemporanee, come il traffico, il telefono, la città. Questo contrasto rende il brano molto rappresentativo del modo di scrivere: personale, diretto, ma anche molto visivo”.

     

     

    ILENIA SUFFREDINI | BIOGRAFIA

    Ilenia Suffredini è impegnata nello sviluppo di un progetto artistico personale, nato diversi anni fa e cresciuto nel tempo attraverso un percorso di ricerca e sperimentazione. Avvicinatasi alla musica fin da giovanissima come ascoltatrice, ha progressivamente trasformato questa passione in un mezzo di espressione autentico, dando vita a un progetto strutturato e in continua evoluzione.

    Le sue influenze spaziano dal pop al blues, con riferimenti ad artiste come Elisa, Annalisa, Rose Villain e Clara. Nel corso degli anni ha lavorato intensamente sulla propria formazione vocale, studiando con diversi insegnanti e approfondendo generi come jazz, lirica e pop, sviluppando così una solida consapevolezza tecnica e interpretativa.

    Parallelamente all’attività di studio, ha preso parte a numerosi concorsi nazionali e internazionali, ottenendo risultati significativi. Tra questi, la partecipazione al programma televisivo All Together Now su Canale 5 nel 2019, la vittoria di Baby Voice 2014 (Castrocaro dei piccoli) con apparizione su Rai 1, e il primo posto al Premio Gianni Ravera “Una canzone è per sempre”. Nel suo percorso figurano anche la finale ad Area Sanremo 2021, la semifinale a “Una voce per San Marino” 2024 e la partecipazione al programma E viva il videobox! su Rai 2. Nel tempo ha avuto l’opportunità di condividere il palco con artisti di primo piano come Al Bano, Diodato, Orietta Berti, Marco Masini e Rita Pavone. Tra le collaborazioni artistiche spicca, inoltre, quella con il maestro Adriano Pennino per la composizione di un suo brano inedito.

    Attualmente collabora con Namida e Marco Marra per la produzione e con Cristian Gallana per l’identità visiva e grafica, mantenendo al tempo stesso un forte controllo diretto sul processo creativo. Il suo progetto si rivolge a un pubblico ampio, interessato a sonorità pop e a un immaginario contemporaneo, con l’obiettivo di raccontare esperienze ed emozioni condivisibili e costruire nel tempo un percorso artistico solido e riconoscibile.

    “Tu mi mandi in hype” è il nuovo singolo di Ilenia Suffredini disponibile sulle piattaforme digitali di streaming dal 1° maggio 2026 e in rotazione radiofonica da venerdì 15 maggio.

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